Ecrire un comics universitaire (3): Forme et outils

[Cet article est le troisième d’une série; partie 1, partie 2.]

Une fois posé les grands principes de l’article, une fois éclaircie la question du lieu de publication, l’étape suivante est celle de la conception proprement dite. Puisqu’il s’agissait d’un travail à quatre mains, nous avons commencé par élaborer un long texte, copieusement illustré, qui aurait dans d’autres circonstances été affiné et organisé pour produire un article classique. Nous découvrions l’un et l’autre le travail en commun sur ce genre de production, mais avec l’aide de discussions informelles, de nombreux mails et de séances de cadrage plus structurée, nous avons produit quelques 5000 mots exploitables. La conclusion n’est pas écrite à ce jour, comme de coutume: il est très possible qu’elle nous donne l’occasion de nous mettre un peu en scène (fonction phatique, encore), pour expliquer qu’un inventaire commun des formes et des effets nous amène néanmoins à un jugement différent sur le résultat observable. Il devrait donc bien y avoir de grands professeurs dégingandés quelque part en ces pages….

Que faire de ce texte ?

Il y a plusieurs stratégie identifiables pour accorder un discours soutenu et une mise en image. Je tenais à éviter l’un et l’autre.

Les têtes qui parlent

En anglais, on parle volontiers de “talking heads” pour désigner tous ces comics dans lesquels le dialogue domine, au point que l’espace visuel n’est occupé que par des personnages plus ou moins immobiles, dans un espace généralement insignifiant. C’est tentant et assez facile, pour peu que l’on dispose d’une représentation de soi assez maîtrisée. Scott McCloud, une nouvelle fois, use beaucoup du procédé – entre autres – et il est loin d’être le seul, que ce soit dans des comics éducatifs/universitaires ou dans des comics grand public. L’auteur se fait alors professeur en chaire, occupant la scène plutôt que de la concéder à son objet. Il me semblait que c’était là une option peu souhaitable pour un article universitaire, où l’effacement relatif de l’auteur devant son sujet d’étude est de règle.

A Review of “Not the Israel My Parents Promised Me” By A. David Lewis (author) and Miriam Libicki (illustrator)

New Avengers #14 by Brian Michael Bendis (writer) and Mike Deodato (illustrator)

L’image comme illustration

Dans cette configuration, l’énonciateur s’efface, mais l’image reste subordonnée au texte. C’est ce qu’on retrouve dans les premier livres de Philippe Squarzonni, ou dans l’adaptation en bande dessinée de l’Histoire populaire des Etats-Unis de Howard Zinn (par Mike Konopacki et Paul Buhle), par exemple. Dans une grille simple, l’image se veut alternativement métaphorique ou illustrative, sans appret ni attrait particulier, et ne conduit jamais le propos. La bande dessinée est alors surtout un format séduisant (servant à inscrire des propos engagés et complexes dans un contrat de lecture associé au divertissement) ainsi qu’une manière de rythmer le texte. On peut penser dans d’autres médias à l’usage du dessin animé que fait Michael Moore dans Bowling for Columbine, pour retracer à grands traits une histoire très polémique de la violence aux Etats-Unis.

Les résultats peuvent bien sûr être efficaces, mais j’ai la faiblesse de ne pas les trouver très intéressants sur un plan formel. Là encore, il est évident d’échapper complètement à cette approche, mais au moins est-il possible de ne pas la systématiser.

Saison brune, Philippe Squarzoni, 2012

Je voulais donc m’appuyer sur le graphisme, ne pas me mettre en scène outre-mesure et ne pas jouer de la métaphore illustrative redondante. Autant dire que tout cela compliquait d’emblée la possibilité de faire de la bande dessinée en séquence: faute de narrateur et faute d’acteurs, je ne pouvais présenter le travail comme un récit. Je me suis donc promis de puiser dans le film lui-même des éléments qui pouvaient faire séquence, afin de ne pas transformer toutes les planches en diagrammes. Évidemment, ces éléments importés sont susceptibles de subir des transformations (élision du décor, recadrage, simplification) afin de rendre lisible la démonstration et afin d’utiliser au mieux la plasticité de cette image déplacée.

De façon plus générale il m’importait que le résultat soit identifiable à une bande dessinée, puisque c’était bien la contrainte que je m’imposais initialement. Dès lors, en sachant que la forme allait tirer vers le tableau, il importait de préserver autant de signes que possible renvoyant à une bande dessinée. Faute d’une “grille” identifiable, j’allais utiliser des bulles, en leur donnant de surcroît une forme canonique – ovale avec une pointe – pour établir une frontière nette avec les cartes heuristiques, algorithmes, diagrammes et autres formes de visualisation de donnée.

Le travail commence sur papier : en gardant les sources sous les yeux (cf. photo en haut de l’article), je travaille sur une planche à dessin d’ingénieur, afin de mettre une première fois en place les éléments. Quelques croquis rapides, des notes de texte et surtout une mise en application des réflexions qui précèdent. Le travail se fait en 1:1 par rapport aux indications de format de la revue (page, marge, bord perdu), qui m’a été communiqué par le directeur de publication. Les textes sont à peu près en place, mais bien entendu sujets à ajustements et relecture sérieuse.

Si besoin est, une deuxième version permet de clarifier les choses, en reprenant certains blocs ou en introduisant des éléments jusque là absents. Un passage au scan (ou plutôt à la photographie) permet d’importer le tout sur le PC, pour d’autres ajustements de taille et de forme, jusqu’à disposer d’un brouillon de bonne qualité. Entre la version ci-dessus et le scan retouché, des blocs ont été intervertis et les textes clarifiés une première fois.

Une fois ceci en place, la planche retravaillée peut être importée dans logiciel de dessin vectoriel, qui va servir à générer l’ensemble des bulles, flèches, cadres et autres éléments diagrammatiques. C’est le squelette exploitable et exportable de la page finale. Il reste ensuite une étape, qui n’est pas encore entamée, celle de la production de tous les éléments dessinés, qui se fera probablement en 1,5:1 pour gagner en finesse, à l’encre et au pinceau. Mes expériences récentes avec des récits pédagogiques (notamment sur la campagne de Barry Goldwater en 1964 et celle de Richard Nixon en 1968) m’ont convaincu que le pinceau s’accordait mieux avec mes choix de représentation que la précision froide des feutres calibrés. Par contre, c’est bien avec ces feutre, et un crayon 2H qu’est réalisé le brouillon.

Ces images finalisées seront ensuite scannées et mises en couleur sur l’ordinateur, avec réimportation dans le logiciel de dessin vectoriel (ou import du calque vectoriel en bitmap ?) pour ajustement final. L’expérience du blog de dessin me rend assez confiant dans ma capacité à mener cette dernière étape sans autre difficulté que celle du temps à trouver. Au final, l’article devrait compter 10 à 15 pages.

Le travail n’est donc pas terminé, il s’en faut (le choix de la police en particulier, n’est pas fait et les cadres orange ne le resteront pas), mais la méthode est bien en place. Je posterai bien sûr ici la version terminée d’au moins quelques unes des pages achevées. D’ici là, je ne peux que vous remercier d’avoir lu tout ceci et d’avoir pour plusieurs d’entre vous complétés mes réflexions et sources.

J’espère que ces réflexions pourront à leur tour vous être utiles.