Ecrire un comics universitaire (2): Intermédialité et lieu de publication

[Ce post est le deuxième d’série d’entrées vise à chroniquer l’élaboration d’un article universitaire en bande dessinée : une étude de la problématique du genre (filmique, pas « gender ») dans le film Shaun of the Dead, coécrite avec mon collègue du laboratoire CLIMAS, Jean-François Baillon.]

Une fois convaincu de l’utilité d’un article universitaire en bande dessinée, les questions suivantes étaient pragmatiques : sur quoi, où et avec qui ?

Nombre des articles utilisant la bande dessinée ont pour vocation d’éclairer sinon la forme elle-même du moins des mécanismes relevant de la narration picturale. La démonstration faite par McCloud de l’efficacité d’un processus où le discours est lui-même une démonstration a démontré amplement l’efficacité du procédé. Il y avait pourtant deux bonnes raisons de ne pas explorer à mon tour ce sujet spécifique.

La première était une volonté de ne pas aller dans un domaine amplement balisé, où une, sinon deux grands textes avaient déjà été produits; dans le cadre limité d’un article, il ne me semblait pas plausible de parvenir à enrichir ce champ, d’autant plus, tout partait ici d’un atypique désir de forme (« Form follows frustration » me dit une maxime récemment découverte), plutôt que d’une découverte a priori qu’il aurait fallu communiquer.

Scott Mc Cloud, Making Comics

La seconde raison relevait honnêtement d’un goût du défi : celui de faire une bande dessinée portant ostensiblement sur un objet autre et sur un objet théorique dont l’essence n’est pas a priori visuelle, la question du genre (dont McCloud parle de façon très pragmatique dans Making Comics).

Parler de cinéma en bande dessinée est cependant aussi un moyen de réfléchir de façon soutenue sur ce qui fonde la différence entre les deux formes. C’est un sujet passionnant, sur lequel nombre de textes de très grande qualité ont été produits (je citerais le recueil Film and Comic Books, dirigé par Ian Gordon et al., Projections de Jared Gardner et le recueil Bande dessinée et adaptation en préparation aux Presses universitaires de Clermont-Ferrand) et sur lequel j’ai moi-même écrit à plusieurs reprises (ici, par exemple). La représentation de l’image cinématographique au travers du dessin met à mon sens l’accent en retour sur le rôle du graphiateur en bande dessinée, qui vient signer une image photographique jusque là « transparente » – Pour en finir avec le cinéma, de Blutch  l’illustre admirablement, je crois. Cette problématique de la subjectivité du graphiateur (terme emprunté à Philippe Marion) est d’ailleurs abordée également hors du champ de la BD mais près de ce qui m’occupe ici par les créateurs de visualisation de « data-visualisation« . « La personne en charge du design outrepasse donc, en quelque sorte, sa mission qui est de rendre compréhensible un message, pour devenir l’auteur du message à transmettre » (Charles Loyer, « Data, la nouvelle illustration », Etapes n°214, pp.54-55).

Blutch, Pour en finir avec le cinéma

Blutch, Pour en finir avec le cinéma

L’adaptation souligne également le rôle du cadre, renversant potentiellement le transformation que décrit par André Bazin quand le cadre du  tableau est adapté au cinéma :

L’écran détruit radicalement l’espace pictural. Comme le théâtre par la rampe et l’architecture scénique, la peinture s’oppose en effet à la réalité même et surtout à la réalité qu’elle représente par le cadre qui la cerne. […] Le cadre a pour mission sinon de créer du moins de souligner l’hétérogénéité du microcosme pictural et du macrocosme naturel dans lequel le tableau vient s’insérer. […] Si, renversant le processus pictural, on insère l’écran dans le cadre, l’espace du tableau perd son orientation et ses limites pour s’imposer comme indéfini. Sans perdre ses autres caractéristiques plastiques, le tableau se trouve affecté des propriétés spatiales du cinéma, il participe d’un univers pictural virtuel qui le déborde de tous côtés.

« Peinture et Cinéma », Qu’est-ce que le cinéma? (Paris: Les éditions du cerf, 1990), pp. 88-89


L’inscription d’un cadre dans un cadre n’est donc pas une idée neuve, mais l’espoir était que cet enchâssement puisse dans le cadre notre propre travail déboucher sur des observations inédites et précises, en forme d’inversion du constat de Bazin, par exemple. Evidemment, tout cela pose aussi des questions formelles, sur l’organisation interne de la bande dessinée résultante, sur lesquelles je pense revenir dans une troisième (et dernière ?) partie.

Une difficulté très pragmatique induite par ce choix d’une analyse intermédiatique était celle du lieu de publication. Les journaux académiques de bande dessinée (dont The Comics Grid et Studies in Comics) ainsi que ceux consacrés à la culture visuelle sont des lieux dans lesquels l’ouverture à des formes graphiques alternatives est affichée. Les publications susceptibles d’accueillir un article sur le cinéma d’horreur (ou de genre généralement) n’avaient pas nécessairement à l’esprit cette ouverture formelle, même si je ne doutais pas que mon désir de forme parviendrait à susciter une certaine curiosité.

C’est finalement auprès de Horror Studies que j’ai pris mes renseignements, pour réaliser que ce qui était de mon côté un projet assez complexe ne l’était pas moins à l’autre bout de la chaîne. Il s’est ainsi écoulé plusieurs semaines entre la première prise de contact – bien reçue – et la confirmation qu’une proposition était effectivement possible : il avait fallu entre-temps obtenir confirmation de l’ensemble des acteurs de la revue, depuis le comité éditorial jusqu’à l’imprimeur. Le fait que le groupe Intellect dont dépend Horror Studies ait déjà publié des bandes dessinées a ici été un facteur facilitant. Pour autant, cet accord de principe n’était pas, comme ailleurs, une invitation sans condition. Le courrier de confirmation contenait une remarque relativement évidente dans le contexte :

I should repeat that the submission doesn’t guarantee acceptance, and that your article will go through the same process of peer-review as any other.

Il y avait donc là une contrainte formelle importante, préalable à tout travail graphique: il fallait que la bande dessinée produite soit révisable, pour intégrer d’éventuelles corrections mineures; un lettrage numérique, à tout le moins. Il fallait aussi que le travail de recherche préalable soit robuste pour éviter une demande de révision trop profonde, qui condamnerait le projet. Bien sûr, il serait toujours possible de le proposer ailleurs, mais les questions de format de page, autant que les conventions de citation, rendraient difficiles ce type de recyclage.

Cela étant, pour éviter de faire fausse route, j’avais et j’ai toute confiance en mon co-auteur, Jean-François Baillon, spécialiste émérite du cinéma de genre, et partenaire indispensable pour que le projet ait la robustesse nécessaire dans les deux médias concernés. Reste bien sûr que l’anonymat du peer-review ressemble à un vœu pieu quand l’article proposé est aussi singulier. Nous n’en sommes pas encore tout à fait là.

[Voir aussi la partie 1 et la partie 3]


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3 réponses

  1. reneka dit :

    Une forme de didactisme esthétique très pertinente

  1. 14/07/2013

    […] the Dead, coécrite avec mon collègue du laboratoire CLIMAS, Jean-François Baillon. [voir aussi partie 2, partie […]

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